Entre las nominadas al Oscar 2026 a Mejor Diseño de Vestuario tenemos una selección muy variada: desde ropa pensada con materiales de otro planeta, pasando por una fantasía terrorífica con piezas muy elaboradas, hasta tres selecciones de épocas muy diferentes. Hubo varios retos que las competidoras tuvieron que superar, así que pasemos al análisis de cada uno de estos trabajos.
Las 5 nominadas son:
- Avatar: Fire and Ash – Deborah L. Scott
- Frankenstein – Kate Hawley (BAFTA, CC, CDG)
- Hamnet – Malgosia Turzanska
- Marty Supreme – Miyako Bellizzi
- Sinners – Ruth E. Carter
Independientemente de si te gusta o no Avatar: Fire and Ash, algo que es innegable de esta cinta es el gran cuidado que pone cada uno de los equipos dedicados al apartado técnico, y el vestuario no es la excepción.
Hay que recordar que la categoría reconoce el diseño de vestuario, y para la cinta de James Cameron, Deborah L. Scott diseñó una infinidad de piezas teniendo en cuenta los materiales y la naturaleza de Pandora, algo completamente ajeno a nuestro mundo. Los trajes militares, por ejemplo, que parecerían lo más sencillo de la cinta, fueron rediseñados en su totalidad para crear un nuevo camuflaje que se adaptara a los escenarios del planeta, además de que se tuvieron que crear uniformes para todas las ramas de la milicia que no estaban presentes en la primera película, como los cazadores de ballenas o los doctores, varios de los cuales tienen tecnología integrada de acuerdo a sus funciones.
A esto se suma la parte que hace esta nominación una de las más atípicas en la categoría en años recientes (y también una de las más afortunadas): el diseño de vestuarios exclusivamente para ser digitalizados. El trabajo fue un doble proceso: primero el equipo de Scott creó las piezas físicas con base en distintos materiales equivalentes a los existentes en Pandora; como estos trajes literalmente no han sido usados por nadie de este planeta, esos modelos físicos le permitieron tener referencias de peso, movimiento, textura e interacción con el personaje que luego se mandaba al equipo de efectos visuales.
La segunda parte consistió en supervisar al equipo de VFX una vez que éste digitalizaba el traje y lo ponía sobre un modelo. Scott se encargaba de asegurarse que las texturas, los colores y las reacciones de los materiales frente al ambiente fueran las correctas. Cada vestuario tenía que estar pensado para contarnos una historia: de dónde viene el personaje, qué materiales hay en la región que habita, cómo expresa las tradiciones de su tribu a partir de la ropa, un reto al que se suma el presentar dos clanes completamente nuevos en la saga; el traje de cada uno de los respectivos líderes de estas tribus tomó cuatro meses en crearse. Ahora imagina este proceso con las más de 2 mil piezas de vestuario que fueron hechas por Wētā Workshop para la cinta.
En el caso de Frankenstein, Kate Hawley trajo a la vida el mundo de fantasía gótica de Guillermo del Toro. En lugar de vestuarios fieles a la época, Hawley y del Toro eligieron una paleta de colores muy específica para jugar con cómo los tonos representan a los personajes: rojo para la madre de Victor y para el científico; azul para el padre, hermano y la criatura; verde para Elizabeth. Aunque éstos colores van variando ligeramente en la cinta, hay códigos esenciales que reflejan la conexión de los personajes; por ejemplo, Elizabeth es el único personaje que usa morado aparte de la criatura, y se le ve con este color cuando se encuentra con el monstruo por primera vez, para mostrar su conexión.
Todo el trabajo consistió en jugar con lo fantasioso de la historia y no casarse con los tropos victorianos a los que la audiencia está acostumbrada. Para la vestimenta de Victor Frankenstein, las principales inspiraciones fueron figuras como Mick Jagger, Prince y David Bowie: en su mente, Victor es una estrella, siempre listo para verse al espejo y admirar su propio trabajo. Por otro lado, el abrigo con el que la criatura se viste parece hecho de retazos, al igual que el propio personaje, y además agranda su silueta, como si junto con el vestuario cargara con los recuerdos de quien lo usó antes.
Pero definitivamente, la parte más creativa de este trabajo nominado al Oscar 2026 a Mejor Diseño de Vestuario son los vestidos que usa Mia Goth, quien interpreta a la madre de Victor y a Elizabeth, la novia de su hermano y objeto de su adoración. Para la primera, los vestidos rojos representan la sangre y la muerte, un motivo visual presente en el personaje de Victor a lo largo del filme, ya sea en los guantes rojos que hereda de su madre o en algún otro detalle del vestuario.
Como Elizabeth, los vestidos varían dependiendo en parte de la perspectiva desde la que es vista. Cuando el científico la conoce, ella usa azul, en parte por asociación con el hermano de Victor, con quien está prometida; sin embargo, desde el inicio se puede vislumbrar su aura etérea gracias al diseño inspirado en rayos X, el cual tomó varios meses en lograrse para conseguir la textura y tonos deseados por Del Toro a través de diversas capas. Según Hawley, hay al menos 60 metros de tela en ese vestido.
Más tarde en la cinta se puede ver a la chica con vestidos verdes cuyos patrones emulan a los de un escarabajo, como si ella fuera una criatura en sí misma. Estos, además, cuentan con varias capas de ropa, mismos que son utilizados para dar la sensación de querer salir de un capullo cuando conoce al monstruo y se descubre el rostro.
Finalmente, el vestido de bodas, que es mostrado en la sección en la cual la criatura da su punto de vista, hace reminiscencia a sus vendajes originales y tiene como inspiración La novia de Frankenstein. Se hicieron nueve copias de este vestido en distintos tamaños por los retos que implicaba mancharlo de sangre y ser usado por dobles.
Es increíble pensar que Hamnet es la primera nominación de Malgosia Turzanska, tras su excelente trabajo en otras cintas como The Green Knight, Pearl y otra nominada de este año, Train Dreams. En este filme, la prioridad era transmitir las emociones a través del vestuario.
Para la protagonista, Agnes, Turzanska quería resaltar su conexión con la naturaleza, por lo que trabajó sus vestuarios con textiles provenientes de plantas, el chaleco incluso está hecho de tela de corteza de árbol. El color rojo característico del personaje es para dar la idea de que es un fruto salido de la naturaleza o un pedazo de carne vivo; conforme avanzan los problemas y el luto, este tono va decayendo, al igual que los materiales de la ropa. Para esto se desgastaron los primeros vestidos o se crearon nuevas piezas que muestran la descomposición emocional.
El caso de la vestimenta de William Shakespeare es parecido: comienza con tonos azules y verdes muy vivos que complementan el vestido de Agnes, pero termina en un gris apagado. Aunque ambos al final siguen dentro de la misma paleta de colores, ya no se complementan como antes. Las vestimentas del poeta tienen elementos de cuero que van llenándose de desgarros y cortes conforme avanza la historia, primero por el maltrato paterno y luego para reflejar sus heridas internas.
Para los trajes de los actores de la obra de teatro dentro de la película, la vestuarista los cubrió de látex para darles mayor teatralidad pese a lo anacrónico del material y los pintó a mano ella misma. Otro ejemplo de anacronismo es cómo Will en lugar de llevar un portadagas (accesorio común de la época), lleva un estuche para sus plumas y tinta.
En Marty Supreme, Miyako Bellizzi tuvo que diseñar desde cero no solo los atuendos de los personajes principales, sino también varios de los que se ven de fondo, en especial porque muchos de ellos ya no existen y son imposibles de conseguir. Un ejemplo son los uniformes de los equipos de ping pong durante el torneo en el cual participa Marty: la playera de cada país tiene distintos detalles y cortes; Bellizzi se basó en archivo fotográfico para algunas, y de las que no pudo encontrar registro, se las inventó. Este cuidado al detalle en unos uniformes que apenas se ven unos segundos resume bien su compromiso con hacer sentir al espectador cuán vivo está el universo de la película.
Para la ropa de la gente del vecindario de Marty, se usó vestimenta de los años 40, mostrando cómo sus habitantes, al igual que la mayoría de nosotros, no andan renovando el guardarropa cada año. El traje que Marty usa refleja sus aspiraciones: la silueta de esa pieza hace reminiscencia a la que luego se ve en un gángster embustero y adinerado que probablemente sería el tipo de hombre que Marty ve como modelo a seguir.
Esto contrasta con los atuendos usados por el personaje de Gwyneth Paltrow, quien al ser millonaria se viste con ropa elegante correspondiente al año, para lo cual fue muy útil la experiencia de Bellizzi en la industria de la moda. El vestuario de Paltrow también cuenta una historia en sí mismo: ella es una actriz de la época del cine mudo tratando de encontrar su lugar en la nueva industria; de forma paralela, su ropa pasa de tonos grises a coloridos (hasta llegar a un rojo intenso) conforme más se enreda con el protagonista y crecen sus ganas de arriesgarse.
La legendaria Ruth E. Carter regresa a la carrera al Oscar por quinta vez, ahora por su trabajo en Sinners, la tercera colaboración con el director Ryan Coogler que le da una nominación en esta categoría. Ahora, lejos de los vestuarios de Wakanda, trae a la pantalla el sur estadounidense de los años 30, en plena segregación.
Además de la exactitud histórica buscada por Carter, uno de los retos fue el constante monitoreo y gran cantidad de reemplazos requeridos debido al desgaste y suciedad, ocasionados principalmente por manchas de sangre que sufren los vestuarios conforme avanza la cinta. La diseñadora dijo que a veces se le olvidaba que estaba haciendo una cinta de terror, hasta que alguien del equipo le recordaba todas las réplicas que tendría que hacer.
Los vestuarios son una mezcla de piezas originales y otras compradas en tiendas de antigüedades, como el sombrero que usa Stack (uno de los gemelos interpretados por Michael B. Jordan). Carter se basó en las pinturas de la época para armar su paleta de colores de rojo, blanco y azul.
Para la vestimenta del personaje de Wunmi Mosaku se usó una falda de seda cruda con lentejuelas que le daba un movimiento ligero y místico, como el personaje, lo cual denota su naturaleza espiritual. Para el otro personaje femenino principal, una mujer biracial que se ha alejado de sus raíces, se creó un vestido sencillo de color rosa apagado, el cual, además de desentonar, resalta mucho la gran cantidad de sangre que le va a caer encima. Los trajes de los gemelos protagonistas también son un reflejo de su personalidad, con un atuendo pulcro y ceñido para Stack, mientras su hermano Smoke es un poco más desaliñado y tiene un traje más holgado para ocultar sus armas; los vestuarios de ambos se basan en fotografías de gangsters de la época.
En la secuencia más impresionante de la cinta, un momento musical en el que se reúnen músicos del pasado, el presente y el futuro, se usaron piezas de vestuario tanto creadas para la escena, como otras compradas, e incluso unas de antiguos trabajos de Carter.
Predicciones al Oscar 2026 a Mejor Diseño de Vestuario
Predicción final
Aunque hay soluciones ingeniosas en Hamnet y el rojo de Jessie Buckley es memorable, el trabajo es más sencillo y menos vistoso en relación al resto de competidoras. Si bien ha estado nominada en todas partes (BAFTA, Critics Choice y el Sindicato de Diseño de Vestuario), aún no ha conseguido ninguna victoria.
Marty Supreme hizo un muy buen trabajo tanto en investigación como en creatividad y cantidad, pero perdió el Critics Choice y no estuvo nominado al Sindicato de Diseño de Vestuario. También podría afectar la percepción de que se trata de vestimenta muy contemporánea, comentario que la vestuarista ha señalado que le han dicho varios espectadores jóvenes, pues la Academia suele tener prejuicios contra trabajos más actuales.
Una victoria para Avatar: Fire and Ash sería increíble no solo por el excelente trabajo de Scott, sino también por premiar algo muy distinto a lo que se suele galardonar en la categoría, pero tiene mucho en contra: perdió el Sindicato de Diseño de Vestuario en la categoría de Fantasía y Ciencia Ficción pese a ser la única nominada al Oscar que competía en ese rubro (la ganadora fue Wicked For Good); la película no fue tan bien recibida como su predecesora, tanto en taquilla como en crítica y número de nominaciones; es la única de las nominadas que no estuvo nominada al BAFTA; finalmente, hay muchos prejuicios todavía contra el diseño de vestuario digital, como dejaron ver varios comentarios ignorantes el día de las nominaciones. No es imposible que gane, pues esta categoría ya le ha dado el premio a secuelas o precuelas que no han tenido la mejor recepción en sus franquicias, como Fantastic Beasts and Where to Find Them o Black Panther: Wakanda Forever, pero en ambos casos sus diseñadoras son leyendas de la industria.
Aunque Sinners no es el trabajo más vistoso de Ruth Carter, ya ha ganado por sus dos anteriores colaboraciones con Coogler, incluyendo la ya mencionada Wakanda Forever. Además puede ayudarle el gran amor por la cinta, que con 16 nominaciones se ha convertido en la más nominada de la historia. Sin embargo, esta pasión aún no se ha traducido en victorias en esta categoría.
Finalmente, Frankenstein lleva la delantera absoluta: ganó el Critics Choice, el Sindicato de Diseño de Vestuario en la categoría de Película de Época y el BAFTA, este último fue el último es muestra definitiva de su fortaleza. Le ayuda mucho ser la más vistosa de las competidoras y Netflix sí se ha esforzado en visibilizar todas las categorías técnicas de este filme como parte de la visión de del Toro.
Debería ganar: Avatar: Fire and Ash
Va a ganar: Frankenstein
Ojo con: Sinners
Debió estar nominada: Kiss of the Spider Woman
