En 1905, la escritora india Begum Rokeya Hossain publicó El sueño de la sultana, una historia de ciencia ficción ambientada en Ladyland, una tierra gobernada por mujeres donde los hombres viven recluidos. Más de un siglo después, esta utopía feminista inspiró a la animadora española Isabel Herguera para dirigir su primer largometraje.
“Es un mundo al revés, un mundo donde las mujeres tienen el poder y los hombres viven en casa. Me centré especialmente en la parte de la seguridad de la mujer… en algo que es muy común para todas, vengan de donde vengan, más allá de su clase, condición o cultura”, nos explicó Herguera en entrevista.
Esta no es una simple adaptación. Herguera hila el relato utópico original con las experiencias de Inés, una especie de alter ego que descubre y es sacudida por la novela durante un viaje a la India, así como con episodios de la vida de la propia Rokeya. Cada sección se apoya en un estilo de animación distinto, todos deslumbrantes.
La estética del relato utópico está inspirada en el mehndi (también conocido como henna), una técnica artesanal tradicional de la India. Herguera optó por esta propuesta después de trabajar en talleres con un grupo de artistas del mehndi.
“Con ellas hice el primer taller y después me pareció que esos tatuajes temporales, que tradicionalmente se hacen el día antes de la boda y que son una fiesta entre mujeres, donde se habla de la vida conyugal que vas a tener, de tu futuro y demás, eran la mejor manera de representar este mundo de la mujer”, nos contó la directora. “Así que todos los elementos de esa parte del País de las Mujeres están hechos por mujeres artistas del mehndi. Yo allí no metí mano de ningún tipo”.
Después de alrededor de 10 años de producción y de ganar premios en prestigiosos festivales como Annecy, San Sebastián y Anima, así como recibir nominaciones al Goya y a los European Film Awards, El sueño de la sultana finalmente llega a México con la distribución de Daimon Cine. Para aprender más sobre la película, platiqué con Isabel Herguera sobre su inspiración, su amor por la animación, las diferentes técnicas que utiliza, la visión de Rokeya y mucho más. Puedes leer la entrevista completa a continuación.
¿Qué te atrajo del libro Sultana’s Dream para hacer un largometraje relacionado con su historia?
Cuando vi el libro y vi que lo había escrito una mujer en 1905, alguien que había crecido sin acceso a la educación —y esto se veía en la portada—, pensé inmediatamente en mi abuela, porque mi abuela nació justo en 1900. Y pensé en todas las oportunidades que no tuvo, y en el deseo y la ambición de estudiar. Después vino la Guerra Civil y todos los derechos de las mujeres se fueron para el garete. Sin tan siquiera haber leído el cuento, pensé: “Quizás estaría bien volver a reflexionar sobre lo que plantea Rokeya”. Es un mundo al revés, un mundo donde las mujeres tienen el poder y los hombres viven en casa. Me centré especialmente en la parte de la seguridad de la mujer, porque el cuento de Rokeya se extiende mucho más; habla sobre principios ecológicos y cosas así. Pero yo me quise centrar especialmente en algo que es muy común para todas, vengan de donde vengan, más allá de su clase, condición o cultura.
Y partiendo de ese interés por Sultana’s Dream, ¿qué tan autobiográfica es la película? ¿Cómo combinaste esas dos partes?
Es autobiográfica en tanto que muchos de los episodios que se ven, que recrean esta vida de Inés, sí han sido cosas que he vivido de primera mano, como la mujer en el árbol, el accidente o la visita a Vrindavan con las mujeres viudas.
Hay otras cosas que son inventadas, pero sí hay mucho material que es de verdad. El encuentro con Mary Beard, por ejemplo. Fueron a partir de estas escenas que tenían una base real como construimos el puzzle de la película, y después, lo que nos faltaba, lo incorporamos de una manera ficticia. Pero sí hay muchas cosas que están inspiradas en la vida real.
Es más, el sonido es totalmente documental. Todos los lugares que se ven existen y la grabación del sonido está hecha en esos mismos lugares. Todos. Eso puedo poner mi mano sobre el fuego.
¿Alguna vez tuviste miedo de no poder representar correctamente a la India?
Sí, yo he representado a la India desde mi mirada occidental. Lo que sí hice en la India fue salir a dibujar. Salía a dibujar a diario con los estudiantes de la escuela donde daba clases, porque me encantaba. Al principio hacía muchas fotos, pero después sali a dibujar, y encontré una paz. También, a nivel artístico, para mí fue el descubrimiento de una herramienta que había tenido abandonada durante más de 30 años, porque no había dibujado del natural ni hecho acuarelas. Y fue en base a esas acuarelas como retraté la India. No es una India de un indio; es una India mía. Pero no por ser mía deja de tener validez, sino que es una India personal, muy particular a través de mis ojos.
Además de acuarela, el estilo de animación varía entre collage, teatro de sombras, animación 2D, 3D e incluso la pintura mehndi. ¿Cómo decidías qué técnica correspondía a cada momento de la historia y qué buscabas expresar con esa diversidad visual?
Mira, la acuarela era como este viaje de Inés y quería que se reflejaran un poquito mis cuadernos de viaje, mis propios dibujos. Por eso era la acuarela.
El teatro de sombras lo escogí porque había tenido una experiencia con sombras chinescas que me había encantado. Después pensé que el medio de entretenimiento de la época, cuando creció Begum Rokeya, era el teatro de sombras; era la manera en que se contaban las historias, la manera en que se transmitían las noticias también. Me parecía que era una buena forma de representar la vida de Rokeya porque pertenecía a ese tiempo.
Por otro lado, está la parte de la henna. Todo este proyecto comenzó haciendo talleres con mujeres. Los primeros los hice con un grupo de artistas del mehndi, del tatuaje temporal, a través de una cooperativa de mujeres trabajadoras con la que había entrado en contacto por medio de la escuela. Con ellas hice el primer taller y después me pareció que esos tatuajes temporales, que tradicionalmente se hacen el día antes de la boda y que son una fiesta entre mujeres, donde se habla de la vida conyugal que vas a tener, de tu futuro y demás, eran la mejor manera de representar este mundo de la mujer. También porque este tatuaje temporal es para decorar el cuerpo de la mujer, para entregarse al hombre, básicamente. Metafóricamente me pareció oportuno. Así que todos los elementos de esa parte del País de las Mujeres están hechos por mujeres artistas del mehndi. Yo allí no metí mano de ningún tipo. Photoshop, por supuesto; compuse todo con el estudio en la India, pero absolutamente todos los elementos vienen de las mujeres.
Fueron años. Hacíamos talleres aquí, talleres allá, íbamos recopilando el material. Una vez que teníamos suficiente, hicimos el storyboard. Cuando ya estaba el storyboard, necesitábamos más elementos, así que convocábamos otro taller. Y así, poco a poco, hasta tener todo lo que nos hacía falta.
La película estuvo casi diez años en desarrollo, ¿no?
Sí. Encontré el libro en 2012 y estrenamos la película en 2023. O sea que sí, son alrededor de diez u once años. Es lo normal en una película de animación, porque cuesta mucho conseguir financiación. Y siendo mi primera película, mi primer largometraje de animación, todavía más, porque había que conseguir coproductores y todo eso. Muy complejo.
¿Crees que ese largo tiempo de desarrollo ayudó a la película?
Totalmente. Cada vez estoy más segura. El tiempo lo que da es madurar las ideas. Pruebas diferentes formas de expresión que después van a alimentar este proyecto o quizás otros.
Algunos proyectos hay que pillarlos y hacerlos inmediatamente para que no pierdan la frescura o el impromptu. En este caso no. Yo creo que el paso del tiempo le dio solidez y permitió verla desde distintos puntos de vista. Durante todo ese tiempo organizamos la preproducción, los equipos y, como tampoco había mucho dinero, había que ser muy efectivos con el poquito dinero que se tenía.
Más allá del mensaje feminista, has dicho que te impresionó la visión de Rokeya sobre la tecnología. ¿Hay alguna idea del cuento que consideres especialmente vigente en el mundo actual?
Bueno, todas las placas solares que se imaginaba. En 1905 ella imaginaba una especie de placas solares con las que se podían alimentar unas regaderas gigantescas, que eran como nubes enormes que contenían agua para el regadío. Y de esas ideas hay muchísimas dentro del cuento de Rokeya. Yo en eso en concreto no me centré, pero sí.
A mí lo que me sorprendía era cómo una mujer que no había tenido una educación formal, que no había ido a la escuela y que lo había aprendido todo en casa… El bengalí lo aprendió a través de su hermano. Eso sí, tenía una biblioteca porque su padre era un hombre muy alfabetizado. Me sorprendía que pudiera haber llegado a todos esos planteamientos, casi de Julio Verne, muy de ciencia ficción para el momento.
Entonces pensé: quizás la información en aquellos momentos también fluía de alguna forma. No es como ahora, que a los dos segundos sabes lo que está pasando en otro lado del mundo, pero en aquel momento quizá tardaba un poquito más, aunque tampoco mucho más.
También está el momento en el que Rokeya está en un avión. Ese es un episodio real. Fue en 1930 y su sobrino Murat la llevó a hacer un viaje en avión. Por lo tanto, para una mujer de su época, que tampoco era especialmente privilegiada, que alguien pudiera llevarla en avión también era una cosa extraordinaria.
Además de lo que ya nos contabas de la pintura mehndi, ¿hay alguna secuencia que haya sido particularmente difícil o desafiante de animar?
Hay una escena que es especialmente virtuosa en cuanto a la animación: el monólogo de Mary Beard. No es rotoscopia; está hecho a partir de poses de Mary Beard.
Esto es un trabajo fabuloso que hizo primero Upamanyu Bhattacharyya [director de Wade], que es un realizador indio que en estos momentos está realizando su primer largometraje. Él hizo todas las poses iniciales y después Ana Sabater, una gran animadora española, hizo todo el desarrollo a partir de ahí. Para mí, esa es la parte más virtuosa a nivel de animación.
Después están los monos en 3D. Pasamos del 2D a esa secuencia donde los monos persiguen el carruaje. Pero, la parte más compleja a ese nivel fue el monólogo de Mary Beard.
¿Y por qué te dedicas a la animación? ¿Qué es la animación para ti?
Yo me dedico a la animación desde 1987. Es un montón de tiempo. Me dedico porque antes hacía instalaciones y cosas más conceptuales, donde copiaba los discursos de otros porque yo tampoco tenía la madurez artística. También hacía videoarte. Y, a raíz del fracaso de una instalación que hice, descubrí la animación.
La animación me pareció algo muy natural. Era un espacio donde podía mover cosas y me recordaba mucho a cuando le contaba cuentos a mis hermanos pequeños, donde movía las figuritas o los recortables. Esto era un poquito lo mismo: mueves las cosas bajo la cámara y surgen las historias. Fue una especie de flechazo. Desde entonces sigo haciéndolo porque es un medio que está hecho a mi medida.
Siempre que me preguntan digo: “Es como un arte infinito; te permite hacer lo que quieras”.
Lo que quieras, sí. Desde la forma más sencilla hasta la más compleja. Tienes todo el espectro en ese sentido.
Ahora que cada vez vemos más largometrajes dirigidos por mujeres, ¿cómo crees que ha cambiado o evolucionado la animación desde la mirada femenina?
Mira, largometrajes dirigidos por mujeres, desde Lotte Reiniger —que la conoce todo el mundo—, en 1926, verdaderamente no ha habido muchos hasta relativamente hace poco. Fue hacia los dos mil y pico cuando empezaron más mujeres a hacer largometrajes, y muchas de ellas venían de la animación independiente.
La animación independiente y el cortometraje eran un espacio que se podía compatibilizar con las labores domésticas. Era tu pequeño espacio de creación, donde puedes hacer cosas, imaginar todo un universo y después proyectarlo en grande. Entonces había muchas mujeres dentro de la animación independiente que ya estaban haciendo animación desde siempre. Otra cosa son los largometrajes, que ya son un proceso más industrial, tienen otra relevancia, se ven en otros sitios y tienen más eco a nivel industrial.
Porque, a nivel independiente, la mujer siempre ha existido y sigue existiendo. Podríamos decir que hoy en día un 50 o un 60 % de los cortos que se hacen siguen estando dirigidos por mujeres. Otra cosa es dar el salto al largometraje, que ya es industrial, supone más dinero y otro tipo de estructura. Ahí es donde todavía no existe ese empujón, por el motivo que sea. Porque las decisiones están en manos de hombres, porque el poder económico está decidido, en estos momentos, por hombres, por ministerios, etcétera, etcétera.
Parece que la animación para adultos está tomando más fuerza, pero todavía hay resistencia por parte de la industria, sobre todo en el occidente. ¿Cómo vives esto? ¿Es posible que la animación adulta se consolide con fuerza frente a esa visión tan arraigada de que la animación es algo infantil?
Sí, ya está relativamente consolidada. La verdad es que yo del mundo, aparte del mío, sé poco. Para mi mundo está consolidada, pero yo también me muevo en un mundo que es un mini fragmento de todo, con un tipo de gente para la que las películas de animación de autor son relativamente normales.
Entonces, de ese mundo exterior, el de la industria de verdad, la verdad es que no tengo ni idea. Supongo que no pinchamos nada, pero eso no quiere decir que no tengamos que seguir haciendo estas películas o que tengamos que convencer a todo el mundo de que tiene que verlas. Las cosas tienen que existir. Tengo un amigo, Santi Eraso, que decía que los bonsáis hay que cuidarlos, a pesar de que no crecen bonsáis en todas partes. Pues eso es.
Después de vivir tanto tiempo con la obra de Rokeya, ¿qué esperas que descubra un espectador que nunca había oído hablar de ella al salir de la sala?
Que le suscite el mismo interés que me suscitó a mí. Que salga del cine pensando en lo que ha visto, pensando en las cosas que comparte con lo que se cuenta en la película, tanto a nivel conceptual como artístico. Espero que la gente salga inspirada por algo, da igual por qué sea.
Y, sobre todo, que la disfruten.
“El sueño de la sultana” se estrena el 10 de julio en cines mexicanos. Es distribuida por Daimon Cine.
