Adaptar un fenómeno nacido en internet siempre parece una mala idea. Más aún cuando ese fenómeno está construido sobre fragmentos: imágenes de oficinas amarillas interminables, foros, videos cortos, teorías, creepypastas y una sensación colectiva de incomodidad imposible de explicar. Las backrooms nunca funcionaron como una historia tradicional. Más bien operan como una experiencia. Quizás por eso la primera gran virtud de Backrooms: sin salida, sea entender que intentar explicar demasiado habría significado traicionar aquello que convirtió al fenómeno en uno de los mitos digitales más importantes de los últimos años.
La película sigue a Clark (Chiwetel Ejiofor), un arquitecto convertido en dueño de una tienda de muebles cuya vida parece atrapada entre la monotonía, el desgaste emocional y la sensación constante de insatisfacción en plena década de los noventa. Cuando descubre accidentalmente una entrada hacia un espacio imposible oculto bajo su propio negocio, termina arrastrando a su terapeuta, Mary (Renate Reinsve), hacia una dimensión infinita donde las reglas físicas, emocionales y temporales comienzan a deformarse. A partir de allí, la cinta se convierte menos en una historia de supervivencia y más en un descenso progresivo hacia la desorientación absoluta.
Pero antes de convertirse en película, esto fue una anomalía colectiva. Todo comenzó con una imagen publicada anónimamente en 4chan: una oficina amarilla aparentemente infinita, iluminada por fluorescentes enfermizos y acompañada por una premisa sencilla y aterradora. Si accidentalmente atraviesas la realidad —noclipeas, tomando prestado el lenguaje de los videojuegos— puedes terminar atrapado allí. Lo que siguió fue uno de los procesos creativos más interesantes de internet contemporáneo: creepypastas, wikis colaborativas, teorías, reinterpretaciones y una mitología expandida colectivamente por miles de usuarios.
Durante años, las creepypastas y el horror de internet fueron observados con cierta condescendencia, como productos efímeros destinados únicamente al consumo rápido. Sin embargo, Backrooms: sin salida funciona como evidencia de que internet ya no solo distribuye historias, también las crea. Y nadie representa mejor esa transición que Kane Parsons. Con apenas veinte años, llega a su debut cinematográfico después de construir buena parte de su reputación desde YouTube, donde sus cortos sobre las Backrooms demostraron algo poco habitual: que un creador formado completamente dentro del ecosistema digital podía desarrollar un lenguaje visual propio incluso antes de entrar a la industria tradicional. Su presencia detrás de cámara importa porque la película jamás intenta disfrazar sus raíces. Parsons no abandona el lenguaje de internet para hacer cine tradicional; lo traduce.
La puesta en escena construye un horror espacial profundamente efectivo. Los pasillos interminables, las escalas imposibles, las habitaciones vacías y la repetición arquitectónica generan una sensación constante de alienación. Existe una palabra para describir esa sensación: liminalidad. Espacios transitorios, familiares pero incorrectos, lugares diseñados para ser atravesados pero no habitados. Oficinas vacías, centros comerciales abandonados, salas de espera, pasillos corporativos, depósitos impersonales que se convierten en arquitectura hostil.
El diseño de producción a cargo de Danny Vermette (El mono) merece todavía más crédito. Gran parte del horror depende directamente de él. Alfombras repetidas hasta el infinito, fluorescentes invasivos, techos demasiado bajos o demasiado altos, habitaciones que desafían cualquier lógica arquitectónica y pasillos que parecen copiarse a sí mismos convierten cada escenario en una anomalía permanente. La fotografía de Jeremy Cox (Líbralos del mal) potencia constantemente esa incomodidad. Los encuadres convierten cada esquina en amenaza y utilizan la profundidad espacial para hacer que la escala misma parezca antinatural. A esto se suma un diseño sonoro extraordinariamente agresivo: zumbidos, reverberaciones, silencios incómodos y ruidos mecánicos transforman espacios vacíos en lugares insoportablemente vivos.
Uno de los momentos donde mejor se entiende la propuesta formal aparece en una secuencia aparentemente simple: una habitación saturada por montañas de ropa sucia acumulada, filmada enteramente desde el lenguaje del found footage. Parsons utiliza la acumulación visual como distracción permanente; el espectador nunca sabe exactamente hacia dónde mirar porque cada rincón parece esconder movimiento potencial. El encuadre se convierte en un campo minado visual. Lo brillante de la secuencia es que entiende una regla fundamental del terror espacial: la ansiedad aparece antes que el susto. La montaña de ropa, los puntos ciegos y la imposibilidad de procesar toda la información simultáneamente generan una incomodidad sostenida donde el miedo nace de anticipar la aparición de algo, no necesariamente de verlo.
El uso del found footage merece una mención aparte. En tiempos donde el recurso muchas veces aparece reducido a nostalgia o gimmick, aquí encuentra una justificación narrativa y estética clara. No solo aporta textura visual: amplifica la sensación documental, fragmenta la experiencia y convierte al espectador en alguien que observa registros de algo que jamás debió existir. El montaje juega un rol fundamental en esto: corta orientación espacial, fragmenta recorridos y obliga constantemente a reconstruir en dónde estamos y hacia dónde debemos mirar. Más que un homenaje al subgénero, funciona como extensión natural del lenguaje digital del que proviene la obra.
También resulta interesante observar cómo el origen digital de Parsons atraviesa toda la película. Su cámara rara vez observa los espacios como lo haría un director tradicional; los recorre como alguien acostumbrado a construir mundos virtuales, renderizar arquitecturas imposibles y diseñar tensión desde la exploración. Hay una obsesión constante por la escala, las perspectivas deformadas y los espacios que parecen existir más allá del encuadre.
Eso no significa que todo funcione con la misma precisión. Algunos diseños de criaturas carecen de la fuerza visual necesaria para igualar el impacto de los espacios que habitan. Paradójicamente, cuanto más intenta materializar amenazas concretas, menos inquietante se vuelve la película. Las criaturas funcionan, pero rara vez resultan tan memorables como los lugares que recorren. También existen problemas de ritmo. La ambición narrativa ocasionalmente sobrecarga la experiencia y ciertos segmentos del segundo acto se sienten más extensos de lo necesario, particularmente cuando la película intenta equilibrar desarrollo emocional, expansión mitológica y experiencia sensorial. Sin embargo, incluso en esos momentos, la potencia visual suele sostener la inmersión.
Aun así, el componente humano logra sostenerse mejor de lo esperado. Ejiofor (La vida de chuck) construye a Clark desde el agotamiento existencial, haciendo creíble la desesperación progresiva de alguien atrapado física y emocionalmente. Reinsve (The Worst Person in the World) funciona como anclaje emocional del relato, aportando humanidad a una historia que fácilmente podría perderse dentro de sus propios conceptos. Las interpretaciones consiguen algo fundamental: hacer creíble el sufrimiento. El trauma, la obsesión, la soledad, las rupturas emocionales y la insatisfacción personal aparecen trabajadas desde la sencillez más que desde el subrayado. La película entiende que estas emociones no son el espectáculo, sino la herramienta que permite sostenerlo.
Quizás lo más interesante sea que comprende algo que gran parte del terror contemporáneo parece haber olvidado: no todo misterio necesita resolución. Parte del atractivo de este universo siempre residió en la ausencia de respuestas, en esa sensación incómoda de estar frente a algo imposible de comprender. Exigir explicaciones definitivas sería casi desconocer el propio origen del fenómeno.
Backrooms: sin salida está lejos de ser perfecta. Es ambiciosa hasta el exceso, irregular en algunos tramos y ocasionalmente confusa. Pero también es una película hecha con personalidad, obsesión visual y una comprensión profunda del material que adapta. Y en un contexto donde gran parte del terror contemporáneo parece buscar únicamente eficiencia, encontrarse con una obra que prioriza identidad por encima de comodidad termina siendo mucho más valioso. También demuestra que la generación que creció construyendo horror online finalmente comenzó a redefinir cómo se hace horror en el cine actual, con mejores y peores resultados.
“Backrooms: sin salida”, está disponible en cines.
