Si la película original hablaba de poder dentro de un sistema, esta secuela se pregunta qué ocurre cuando ese sistema deja de existir. El diablo viste a la moda 2 se construye desde esa tensión. Dirigida nuevamente por David Frankel y escrita por Aline Brosh McKenna, a partir del universo literario de Lauren Weisberger, la película no solo carga con el peso de la nostalgia, sino con la necesidad de dialogar con un mundo que ya no se parece en nada al de 2006.
Runway atraviesa una crisis profunda en medio del colapso del modelo editorial tradicional, con recortes, pérdida de influencia y presión constante por adaptarse a un entorno dominado por lo digital. En ese contexto, Miranda Priestly (Meryl Streep) se enfrenta a un escenario límite: sostener la relevancia de la revista mientras negocia con actores externos que pueden definir su supervivencia. El punto de inflexión llega cuando la historia vuelve a cruzar a Miranda con Andy Sachs (Anne Hathaway). Ya no tanto desde una relación jerárquica, sino desde lugares mucho más ambiguos, donde intereses profesionales, historia compartida y tensiones no resueltas entran en juego.
El reencuentro tiene algo de nostalgia, pero sobre todo de fricción: ambas se mueven en un ecosistema distinto, con reglas nuevas y márgenes de poder más difusos. Lo que antes era un vínculo de formación y dependencia, ahora se transforma en una relación atravesada por decisiones estratégicas, donde cada una debe definir hasta qué punto está dispuesta a adaptarse —o ceder— frente a un sistema que cambió por completo.
La película acierta al comprender que no puede repetir la fórmula original. El foco ya no está en el crecimiento individual, sino en el funcionamiento de una industria en crisis. Ese desplazamiento temático es, al mismo tiempo, su mayor fortaleza y su principal limitación. Hay una mirada lúcida —aunque por momentos superficial— sobre cómo ciertos discursos contemporáneos son absorbidos por estructuras que los utilizan estratégicamente. También hay una lectura bastante interesante sobre la concentración de poder y la manera en que ciertas figuras logran mantenerse relevantes a fuerza de reinventarse sin perder el control.
Pero es justamente ahí donde aparece una de sus principales tensiones: la cinta parece mucho más interesada en explicar el mundo en el que se mueven sus personajes que en dejarlos vivir dentro de él. Gran parte de su metraje está dedicado a enmarcar ese nuevo contexto —sus reglas, sus dinámicas, sus amenazas— y, en ese proceso, los personajes quedan parcialmente relegados. No desaparecen, pero sí pierden centralidad emocional.
Ahí aparece también un punto que la película apenas roza pero resulta clave: el cambio estructural del ecosistema mediático. La lógica editorial —basada en criterio, sensibilidad y construcción de marca— cede terreno frente a modelos guiados por datos, engagement y monetización inmediata. Los medios ya no compiten solo entre sí, sino contra plataformas que redefinieron los hábitos de consumo. En ese marco, la posible reconfiguración de Runway no es solo un conflicto narrativo, sino el reflejo de una época donde incluso las marcas más influyentes quedan expuestas a ser absorbidas.
Miranda es el eje más interesante de la película. Streep (No miren arriba) no la suaviza, pero sí la reconfigura. Su carácter sigue intacto, y el guión se encarga de recordarlo en momentos puntuales, casi como pequeñas descargas de la versión clásica del personaje. Sin embargo, ahora opera desde otro lugar: más estratégica, menos impulsiva. Eso la vuelve menos intimidante en lo inmediato, pero también más compleja en términos estructurales. Ya no es solo la jefa temible, sino una pieza clave dentro de un engranaje mucho más grande.
El resto de los personajes se mueven con distintos niveles de eficacia dentro de este nuevo enfoque. Nigel (Stanley Tucci) encuentra una evolución coherente, con un arco que recoge deudas emocionales del pasado y las resignifica dentro del presente. Emily (Emily Blunt) comienza como una actualización interesante del personaje —más poderosa, más alineada con los códigos actuales— pero termina derivando hacia un terreno más caricaturesco, como si el guión no terminara de decidir qué hacer con ella. Andy, por su parte, es quizás la mayor víctima del cambio de enfoque: más definida por su posición dentro del sistema que por un conflicto interno claro, su recorrido pierde definición y peso.
Uno de los puntos más débiles aparece en las subtramas románticas. La relación de Miranda con el personaje interpretado por Kenneth Branagh (Muerte en el nilo) aporta algunos momentos de calidez, pero se siente demasiado funcional, sin el nivel de tensión que el personaje demandaría. En el caso de Andy, directamente se percibe como un agregado innecesario, incapaz de dialogar con el conflicto principal o de enriquecer su desarrollo. Es en estos vínculos donde la película evidencia con mayor claridad su desinterés por lo íntimo, incluso cuando intenta cumplir con ciertas convenciones del género.
Tampoco estamos ante una secuela que busque construir nuevas imágenes icónicas al nivel de la entrada de Miranda en la primera película. No hay aquí una escena que condense por sí sola el peso del personaje. Aun así, el film encuentra su mayor fortaleza en los diálogos: siguen siendo filosos, veloces, cargados de ironía y doble intención. Le cuesta arrancar, pero cuando encuentra su ritmo se vuelve ágil, irónica y, por momentos, genuinamente divertida.
Puede sonar raro, pero tuve la sensación de estar frente a un tipo de película que ya no suele tener lugar en las salas. Historias sostenidas en personajes, diálogos y estrellas —más que en espectáculo o franquicia— fueron durante años una parte central del cine comercial, pero hoy parecen haber migrado casi por completo al terreno del streaming. En ese sentido, hay algo paradójico en la existencia misma de esta secuela. Por un lado, responde a la lógica actual de la industria: es una IP reconocible, impulsada por un gran estudio que busca capitalizar la nostalgia. Pero, al mismo tiempo, su forma, su tono y su apuesta por los actores la acercan a un modelo de cine que hoy resulta cada vez menos frecuente.
Quizás por eso, más allá de sus limitaciones, hay cierto encanto en ver El diablo viste a la moda 2. No tanto por lo que propone, sino por lo que representa. Incluso su desenlace termina de evidenciar las tensiones entre ambición temática y resolución dramática. Después de construir una mirada sobre la concentración de poder y el avance de grandes capitales sobre industrias culturales, opta por un cierre que simplifica ese conflicto en términos casi ingenuos, apoyándose en la idea de que existen “buenos millonarios” capaces de preservar identidades frente a otros dispuestos a devorarlas.
El resultado es una secuela que entiende parcialmente el mundo en el que se inserta. Puede que nunca termine de traducir esa lucidez en un impacto emocional equivalente y que esté más interesada en cómo operan las estructuras de poder que en lo que esas estructuras le hacen a las personas, pero aun así se sostiene como un viaje entretenido que funciona como una continuación digna, consciente de las reglas del juego que le toca habitar.
“El diablo viste a la moda 2” o “The Devil Wears Prada 2” es distribuida por 20th Century Studios. Está disponible en cines.
