La historia de ¡La novia! (The Bride!) parte de uno de los relatos por excelencia de la literatura fantástica, pero su ambición no parece ser la de volver a contar una historia conocida, sino la de examinarla desde un lugar distinto. Inspirada en el universo creado por Mary Shelley en Frankenstein; or, The Modern Prometheus, la película dirigida por Maggie Gyllenhaal se propone reimaginar a la célebre novia del monstruo desde una perspectiva que combina irreverencia formal, juego metacinematográfico y un interés muy marcado por el estudio de personajes. El resultado es una obra que difícilmente pueda calificarse de convencional: irregular en algunos tramos, pero también profundamente estimulante por la cantidad de ideas que pone en circulación.
Para entender la apuesta de la película también conviene recordar el peso que arrastra el personaje dentro de la historia del cine. La figura de la novia nació en la célebre Bride of Frankenstein de 1935, dirigida por James Whale, una de las secuelas más influyentes del cine fantástico clásico. Aquella película convirtió a la criatura femenina —interpretada por Elsa Lanchester— en un icono cultural inmediato, pese a que su presencia en pantalla era sorprendentemente breve. Desde entonces, el personaje ha sido citado, reinterpretado y revisitado innumerables veces, aunque casi siempre dentro de los códigos del terror o del homenaje nostálgico. ¡La novia! no es un remake de aquella película ni intenta replicar su estructura; más bien toma ese imaginario y lo utiliza como punto de partida para construir algo completamente distinto.
En esta reinterpretación, la historia se sitúa en el Chicago de los años treinta, un contexto marcado por el crimen organizado, la corrupción y la violencia urbana. Allí aparece Frank, el monstruo interpretado por Christian Bale, una criatura solitaria que busca desesperadamente una compañera que pueda compartir su existencia. Para lograrlo recurre a la doctora Euphronious (Annette Bening) que acepta llevar adelante un nuevo experimento capaz de desafiar nuevamente la frontera entre la vida y la muerte. El resultado es la creación de una mujer a partir del cuerpo de una joven asesinada. Esa mujer es la famosa novia de Frankenstein, interpretada por Jessie Buckley. Pero lejos de convertirse en la figura pasiva o trágica que muchas versiones del mito han imaginado, la criatura despierta con una personalidad impredecible, marcada por una rabia visceral y por un impulso de libertad que rápidamente desborda cualquier control.
A partir de ese momento, la relación entre ambos se convierte en el centro del relato. Perseguidos por las autoridades y rodeados por un entorno dominado por criminales, oportunistas y figuras marginales, terminan embarcándose en una deriva cada vez más caótica a través de una ciudad que parece rechazar su existencia. Dicha relación adquiere rápidamente una energía particular, una mezcla de atracción, caos y rebeldía que por momentos recuerda a las grandes parejas criminales del cine. Hay algo en la forma en que estos personajes se enfrentan al mundo que evoca la tradición de Bonnie and Clyde, esa idea de dos figuras marginales que desafían el orden establecido y encuentran en su propia relación una especie de combustible para la destrucción. Hay momentos en los que la relación entre los protagonistas parece acercarse a lo que muchos imaginaron que podría haber sido Joker: Folie à Deux, pero que finalmente nunca terminó de materializarse del todo en pantalla: una historia donde el vínculo entre dos personajes particularmente peligrosos se convierte en el verdadero motor narrativo.
Más allá de estas resonancias, uno de los elementos más singulares del film es la forma en que introduce a Mary Shelley dentro de la propia historia. La autora no aparece como un personaje convencional, sino como una especie de presencia que se comunica con la criatura, una entidad que habita el relato desde un lugar casi abstracto. Estas intervenciones, mostradas en blanco y negro, contrastan con el resto de la película y funcionan como una capa metanarrativa que conecta directamente al personaje con su origen literario. El gesto se vuelve aún más interesante cuando se revela que Shelley también es interpretada por Jessie Buckley. La duplicidad del personaje establece un vínculo simbólico entre autora y criatura, como si ambas formas de existencia —la imaginación y la carne— compartieran una misma identidad. Esta decisión no solo resulta formalmente atractiva, sino que introduce una relectura del mito desde una perspectiva femenina.
El trabajo de los actores termina reforzando esa sensación de vitalidad que atraviesa la película. Buckley (Hamnet) construye una novia radical. Su criatura no es un ser pasivo ni una víctima del destino, sino alguien marcado por una rabia casi eléctrica, por una energía que desborda cada escena en la que aparece. Bale (Ámsterdam), por su parte, aporta un contrapeso melancólico que evita que la dinámica entre ambos se convierta únicamente en caos. La química entre los dos intérpretes se convierte en uno de los pilares del film, especialmente durante la primera mitad del relato.
Es en ese tramo inicial donde la película encuentra su mayor claridad narrativa. La presentación de los personajes, la construcción del mundo y el desarrollo de la relación central avanzan con un ritmo firme, sostenido además por una estética visual muy pulida. La puesta en escena combina elementos góticos con una sensibilidad contemporánea que se permite jugar con el artificio sin complejos. Incluso hay lugar para un número musical inesperado. Sin embargo, a medida que la narración avanza, la película comienza a abrir nuevas líneas argumentales que no siempre terminan de integrarse con la misma solidez. La aparición de una trama policial, la presencia de personajes vinculados a la mafia y la expansión del mundo narrativo hacia otros conflictos, introducen una cierta dispersión que afecta el ritmo del último tramo. No se trata de ideas necesariamente malas, pero sí de elementos que parecen competir entre sí por la atención del relato. En ese momento, la película deja de concentrarse en su núcleo más fuerte para multiplicar los focos de interés.
El último acto se siente menos cohesionado, como si la acumulación de ideas hubiese superado la capacidad de la película para ordenarlas dentro de una estructura clara. Aun así, estas irregularidades no alcanzan a eclipsar por completo los logros del film. Más bien funcionan como el síntoma de una obra que apuesta por la exploración antes que por la perfección formal.
Este rasgo se vuelve aún más evidente si se observa la película dentro del recorrido de Gyllenhaal como directora. Su formidable debut en The Lost Daughter era un drama contenido, centrado exclusivamente en el conflicto interno de su protagonista. Allí predominaba una puesta en escena austera, enfocada en los gestos y silencios de los personajes. ¡La novia!, en cambio, parece representar el extremo opuesto de ese registro. Aquí todo es más grande, más barroco, más excéntrico. La directora mantiene su interés por los personajes, pero los inserta dentro de un universo mucho más expansivo, donde conviven el humor, el artificio visual y la experimentación narrativa.
Esa transición resulta particularmente interesante porque demuestra que no parece interesada en repetir una fórmula. Su paso de un drama íntimo a una reinterpretación extravagante sugiere una búsqueda creativa abierta, una voluntad de explorar distintos lenguajes. En un panorama reciente donde el mito de Frankenstein ha vuelto a la pantalla envuelto en grandes presupuestos, respeto reverencial y una obsesión casi museística por la estética gótica, ¡La novia! toma el camino opuesto. La película no busca pulir ningún mito hasta convertirlo en una pieza de vitrina; lo sacude, lo ensucia, lo vuelve impredecible. Y en ese gesto aparece algo que muchas reinterpretaciones recientes parecen haber perdido: vitalidad.
“¡La novia!” o “The Bride!” es distribuida en latinoamérica por Warner Bros. Pictures y está disponible en cines.
